« Le Retour Du Roi » de Peter Jackson, Nouvelle-Zélande, 2003. 4h10.

“Un Anneau pour les gouverner tous, et dans les ténèbres les lier…”

Le dernier volet de la trilogie est et restera le plus prenant, dramatique, épique et parfaitement réalisé opus du Seigneur des Anneaux. L’ouverture du film est un flashback, nous montrant le vrai visage de Sméagol – a.k.a Gollum – avant qu’il ne trouve l’Anneau de Sauron. On voit le jeune hobbit subir le pouvoir de l’Anneau presque instantanément, corrompu et commettant son premier méfait. Le tout s’enchaine sur une magnifique et choquante transformation de ce dernier, devenant la créature solitaire et lunatique que l’on rencontre dans Les Deux Tours. Peter Jackson ose cette séquence d’introduction qui n’est pas en soi nécessaire pour amener le spectateur à repenser la situation de l’actuel porteur de l’Anneau : Frodon. Scotché à son siège, on commence à voir le destin de notre protagoniste avant même qu’il n’arrive : Frodon risque à son tour de subir la puissance incommensurable de Sauron et on ne peut qu’imaginer le pire.

Jackson nous renvoie ensuite au présent, toujours scindé entre la route dangereuse que prennent Sam, Frodon et Gollum vers la Montagne du Destin, et le retour d’Aragorn et ses cinq acolytes de nouveau ensemble suite à la défaite de Saroumane face aux Ents. D’un côté, Sam et Frodon suivent toujours Gollum, dans les sombres recoins de Cirith Ungol, la tour où Arachn les attend. Pour la première fois, le côté sournois de Gollum les piège, et Frodon se retrouve en mauvaise posture, tandis que Sam ne peut rien pour le sauver.

Dans cet opus, tout se joue sur la manière dont l’histoire va se finir et la tension dramatique est à son comble. Toutes les armées du Mordor se rejoignent à Minas Tirith, dernier bastion des hommes, qui semble bien faible face aux terreurs que Sauron a envoyé. Aragorn, Legolas et Gimli sont partis chercher des renforts auprès de l’armée des morts qui ne répond qu’à l’épée d’Isildur, que seul le roi des Hommes peut porter, et Eowyn et les Rohirrims arrivent tardivement sur le champ de bataille. Une longue bataille commence alors, et tout est bon pour Jackson afin de nous impressionner : les champs est gigantesque, ces occupants sont nombreux, le tout dans un plan large où l’on fait face à la frontière du Mordor et la somptueuse cité blanche de Minas Tirith.

De tous les épisodes de la trilogie, celui-ci fait le plus frissonner, on commence à douter de la réussite de la mission de Frodon, la force des Hommes semble insuffisante et Aragorn n’est toujours pas revenu de sa rencontre avec l’armée des morts. Le désespoir est lisible sur tous les visages, même celui de Gandalf, qui défend autant qu’il peut la cité et les deux hobbits qui se battent à ses côtés. De son côté, Sam est seul mais parvient à se glisser parmi les orques de Cirith Ungol pour sauver Frodon, qui reprend peu à peu à ses esprits, et ils parviennent à se sauver pour finir leur mission, en montant jusqu’au centre de la Montagne du Destin.

C’est le moment que choisi Gollum pour s’emparer encore de l’Anneau Unique, pendant un combat contre Frodon durant lequel la créature finira, le sourire aux lèvres, au beau milieu de la lave, provocant une éruption. La longue bataille du Gondor change de sens lorsqu’Aragorn arrive enfin, appuyé par l’armée des morts. Jackson ne manque pas l’occasion de se faire voir une fois de plus, et interprète un pirate, le premier mourant d’une flèche de Legolas.

Minas Tirith, est sous le joug des orques, qui ont réussi à pénétrer l’enceinte de la forteresse, tuant tout le monde sur leur passage, mais sont finalement anéantis par la puissance de cette armée immortelle. L’anneau détruit, la forteresse sauvée, les Hommes et les Elfes ayant combattu côte à côte, Jackson nous offre le couronnement d’Aragorn, nouveau roi des Hommes, et un retour à la Comté, quatre ans plus tard, avec le départ de Gandalf, Frodon et Bilbon sur un bateau Elfe, bien loin des Terres du Milieu.

La qualité visuelle, artistique, la dimension épique, les métaphores du Bien et du Mal, les dilemmes auxquels les héros vont faire face, tout ça est gratifié par l’œil de Peter Jackson, qui réalise ici la fin d’une trilogie que les fans attendaient depuis des années, avec brio. Une fois de plus, le talent d’Howard Shore – qui a écrit une bande originale digne de rester dans les mémoires pour des années encore – force l’admiration pour cette œuvre que peu de réalisateurs auraient pu réussir.

Jackson nous fait vivre sa vision de la trilogie papier comme si Tolkien l’avait réalisé : sur le plan moral comme physique, il n’y a aucune incohérence au fur et à mesure des films, l’empathie pour les héros est comme un fil rouge pendant lequel nous vivons et ressentons presque autant qu’eux les difficultés qu’ils bravent tout au long de ces dix heures. Faire entrer un spectateur dans la peau d’un personnage n’est pas toujours facile, mais ici Jackson nous a offert cette effet décuplé. Tout y est, tout l’esprit de Tolkien s’affiche devant nos yeux d’enfants ébahis par tant de travail achevé, et c’est ainsi que Jackson se place aujourd’hui, tout en haut, loin au dessus des autres réalisateurs de fantastique.

Mais ne vous inquiétez pas, l’aventure n’est pas complètement finie ! Le projet de « Bilbo le Hobbit » est en cours de production, et on apprend au compte-goutte ceux qui seront dans le casting, quelques images des décors, et on l’espère très bientôt : un trailer ! The Hobbit: An Unexpected Journey et The Hobbit: There and Back Again sont prévus pour 2012 et 2013. En attendant, vous pouvez toujours vous consoler en revisionnant la trilogie, qui devrait bien vous occuper !

Drive de Nicolas Winding Refn – USA – 2011. 1H40. Sortie le 05/10/11

Prix de la mise en scène à Cannes au printemps dernier, critiques dithyrambiques : difficile d’appréhender Drive neutre de toute attente. Quand on sait que le film est de plus le petit dernier d’un réalisateur aussi talentueux que protéiforme, son second métrage américain intrigue, obligatoirement, au risque de ne pas totalement convaincre.

Le film s’ouvre magistralement dans les rues de L.A. alors que l’on suit cet homme sans nom jouer au chauffeur lors d’un braquage. A l’exact opposé des cascades de cinéma qu’il réalise la journée, pas de courses poursuites toutes sirènes hurlantes ou de tonneaux sur les bas côtés ici. Le “driver” glisse dans la nuit, se fond dans l’ombre puis s’efface jusqu’à disparaître dans la foule grouillante de la mégalopole californienne. Comme Michael Mann l’avait fait avant lui, Winding Refn donne vie à l’immensité de cette ville en rendant chacune de ses palpitations à l’aide d’un montage excellemment maitrisé.

La première partie se construira du reste entièrement sur ce rythme hypnotisant, réglé aussi minutieusement que la mécanique des voitures que le héros conduit, se focalisant sur le portrait de ce cowboy moderne. Car à la pluralité de ses vies (cascadeur, garagiste, homme de main de la mafia) s’ajoute la duplicité de ses personnalités : homme à la fois détaché du monde et capable d’un amour aussi soudain qu’inconditionnel. Mais la multiplication de ces pistes, loin de faire la lumière sur son caractère, ne le rend à chaque plan que plus énigmatique. Le jeu de Ryan Gosling y est évidemment pour beaucoup, frôlant la perfection tant il arrive en un sourire ou un geste à humaniser ce personnage irréel. Car le “driver” n’a ni passé, ni avenir d’ailleurs. Il n’existe que dans une succession de symboles ultra sexués – le blouson au scorpion, les gants de cuir, la berline – qui confère à Drive une dimension fétichiste fascinante.

Cet aspect se précise dans un second temps lorsque le film bascule dans une extrême violence avec une volonté parfaitement assumée de Winding Refn pour la transcender. Le réalisateur confirme alors ce qu’il avait déjà prouvé précédemment : il excelle dans l’exploration visuelle de la brutalité. Les explosions de crâne à coups de pieds ou l’utilisation des lames qui redonne aux effusions de sang la photogénie qu’elles avaient pu atteindre dans les gialli sont d’une puissance à couper le souffle, que les longs silences viennent intensifier dans d’abruptes ruptures de tons.

Seulement voilà. Si Drive s’avère être d’une beauté formelle indéniable, il présente quelques lacunes dans son scénario ainsi que dans le traitement de ses personnages secondaires. Certes Winding Refn opte sciemment pour une histoire vue et revue – le “driver” plonge dans la sauvagerie afin de protéger la femme qu’il aime – mais il s’enferre dans une description de la mafia trop grossière, qui n’atteint jamais la justesse mordante d’un Scorcese auquel on songe souvent. On regrette donc qu’il n’ait pas poussé plus loin le dépouillement narratif exploré dans Valhalla Rising, ce qui aurait permis à Drive de s’éviter quelques lourdeurs. Constat similaire pour la relation du “driver” et d’Irene tombant parfois dans un romantisme factice, plombé par des séquences trop démonstratives que ne vient pas aider le choix discutable de Carey Mulligan en veuve fragile.

Le film perd alors en intensité à mesure qu’il avance, intensité heureusement retrouvée dans un final qui insuffle à nouveau cette poésie quasi morbide. Et quand bien même on aurait aimé qu’il garde tout du long cette même hauteur, Drive s’impose malgré tout comme une œuvre à part. Winding Refn réalise non seulement un vrai film de genre mais aussi une relecture de tout un pan du cinéma. Il invente, expérimente et livre somme toute une très belle figuration de l’urbanité que vient sublimer un score envoûtant.

S’il y a une série qui est attendue sur FX ce 5 octobre c’est bien American Horror Story, nouveau projet de Ryan Murphy et Brad Falchuk, les créateurs de Nip/Tuck et Glee. Cette première saison est construite sur 13 épisodes et suivra la famille Harmon qui, pour se débarrasser de son passé, déménage dans une vieille demeure pas vraiment accueillante. Pour cause : elle est hantée.

Se définissant comme un “thriller psychosexuel”, soit une définition plutôt vague mais évoquant clairement Twin Peaks, American Horror Story aura dans ses rôles principaux Dylan McDermott (The Practice), Connie Britton (Friday Night Live, Spin City) mais aussi Denis O’Hare, autre acteur du petit écran, remarqué dans True Blood pour avoir campé le génial Russell Edgington. Ajoutons à cela la présence de Jessica Lange et de Frances Conroy pour obtenir un casting vraiment alléchant.

Le teasing autour de la série s’est accentué ces dernières semaines avec la mise en ligne de divers trailers ou du générique dont voici le point d’orgue pour patienter jusque mercredi : les 5 premières minutes du pilote qui nous plongent en 1978 et reviennent sur le passé de la maison. L’univers esthétique est en tout cas convaincant pour le moment, tant dans les affiches que dans les premières images. A suivre très rapidement donc.

Premières minutes :

Générique :

Bad Taste de Peter Jackson – Nouvelle-Zélande – 1987. 1h31

” – C’est peut-être le ministre des Travaux Publics.
- Eh non, il marche trop vite !”

C’est sur cette joyeuse boutade que Peter Jackson nous fait découvrir son premier long-métrage. Et pour 255.000$ et 4 ans de tournage, le réalisateur nous envoie une dose sur vitaminée d’images gores, et c’est là qu’il tape pour créer son effet comique : Peter Jackson ne badine pas sur les morceaux de cervelle, les bastons d’aliens et le plus que mauvais jeu des acteurs, qui au final se révèle être une prouesse tant il est difficile de faire aussi mauvais. A ce niveau-là, c’est de l’art.

Pour ce film, Peter Jackson s’est entouré de quelques amis qui seront tour à tour acteurs et membres du staff. Peter joue deux rôles (dont une scène où il se bat contre lui-même) et ce n’est pas pour nous déplaire, car l’effet comique de certaines scènes repose sur cet absurde combat entre un Peter alien et un Peter humain. Le scénario est complètement déjanté : des aliens déguisés en humains débarquent sur Terre, en Nouvelle-Zélande (encore !) pour capturer des humains qui leur serviront de viande-à-fast-food extraterrestre, mais ces derniers seront repoussés coûte que coûte par quelques vaillants humains sur-armés.

Si ce n’est une scène de fusillade peut-être un peu trop longue, le reste du film est vraiment à prendre au second degré. L’aspect des aliens sous leur vraie forme est sans doute trop tardive à pointer le bout de son nez ; nous rendre compte que des extraterrestres aux aspects de babouin nous veulent pour leur diner donne un côté encore plus grotesque, et c’est là-dedans que Peter Jackson veut nous emmener. Le film transpire la passion, on sent que Peter Jackson à voulu faire du mieux qu’il pouvait avec le peu de moyens disponibles, accompagné d’amis aussi décalés que lui, et ça a marché.

Il n’est d’ailleurs pas très difficile de faire le rapprochement entre Bad Taste et Braindead tant certains éléments se ressemblent : l’humain qui découpe tout à la tronçonneuse, le jeu d’acteur amateur qui se fond à merveille dans le décor d’hémoglobine et de corps distillés, ou encore le travail des costumes un brin grossiers et cultissimes. L’improvisation est palpable tout au long du film, bien que l’on comprenne rapidement où Jackson veut nous emmener : nous, humains, allons bouter ces aliens hors de notre sol néo-zélandais comme des brutes sans peur.

D’ailleurs, dans certaines scènes, Ozzy, Barry, Giles et Mike se battent à coup de roquettes (pauvre mouton !) et fusils mitrailleurs sans trop craindre grand-chose, tandis que Derek (Peter Jackson) est souvent entre deux aliens qui tentent de l’écraser avec leurs masses, rasant de nombreuses fois sa tête, créant ainsi une sorte de fausse tension quant à l’avenir de notre “héros”. Jackson poussera le comique sanguinolent jusqu’à faire s’écraser son personnage du haut d’une falaise, au beau milieu d’un nid de mouettes – en criant “Mamaaaaaaaaaan” – ce qui aboutira à un rapide combat dont se sortira Derek à coups de tête. Sans lésiner sur les effusions de sang et d’apparentes blessures mortelles, notre héros s’en sortira avec une simple douleur au crâne, et quelques contusions.

Dans tout ce cirque de sang et de plans amateurs vient se mêler des dialogues aussi badass qu’aberrants, donnant finalement tout son sens au film. Grotesque (dans le bon sens du terme), ce film culte nous plonge dans l’horreur comique, glauque à souhait, avec un faux-air licencieux mais jamais à outrance. On ne peut que se laisser emporter par le travail de Peter Jackson, qui réalise une performance avant l’heure : réunir les fans du cinéma fantastique dès sa diffusion au Festival de Cannes, le propulsant au rang de chef-d’œuvre du genre, et donnant sans aucun doute l’idée de son film suivant : Braindead.

Shark 3D de David R. Ellis – USA – 2011. 1H31. Sortie le 21/09/11

David R. Ellis continue son exploration du cinéma bis plus calibré DTV que grand écran avec ce Shark Night 3D renommé Shark 3D tout court chez nous. Après sa description exhaustive des multiples espèces de reptiles dans Snakes on a plane, c’est ici au tour du requin d’être étudié sous toutes ses formes.

On reconnaît immédiatement la patte du réalisateur qui n’hésite pas dans son nouveau métrage à tendre vers le grand n’importe quoi, puisque ce ne sont pas moins d’une quarantaine de squales qui se baladent ailerons à l’air dans un lac salé à la poursuite d’une bande de post-ado tous plus débiles les uns que les autres. Pas d’hésitation, on est clairement du côté de la série des kitchissmes Shark Attack et non d’une représentation factuelle à la The Reef ou Open Water. Ellis semble du reste se foutre royalement de ses protagonistes, leur rôle se limitant à celui de nourriture pour bestioles sous-marine.

S’ensuit donc logiquement un nombre de séquences plus ou moins réussies sur des démembrements sanglants, le réalisateur prenant visiblement plaisir à imaginer des situations sadiques comme une promenade de nuit dans la bayou pour promettre ses personnages à une mort certes rapide mais certaine. Ajoutons à cela une explication suffisamment tordue sur la présence desdits requins dans le lac et l’ensemble prête souvent à sourire à défaut de faire réellement peur.

Seulement voilà, la comparaison avec Piranha 3D sorti tout juste un an auparavant est inévitable et peu flatteuse pour Ellis. Car si le réalisateur signe un film sans prétention aucune, il livre également un Shark 3D qui nous parait bien fadasse. Là où Aja s’amusait vraiment des codes du film de créatures en nous poussant au final dans l’horreur viscérale, Shark 3D se contente lui de scènes d’attaque mineures. La principale raison en revient à la mauvaise gestion de l’action sous l’eau puisqu’hormis quelques trainées d’hémoglobine, on ne doit pas s’attendre à beaucoup plus. Idem pour le second degré qui ne dépasse jamais le stade de blague potache – mention spéciale au footballeur privé de son bras retournant se venger avec une lance – ou bien encore pour l’aspect nécessairement sexy de ce genre de productions ici complétement occulté.

Ellis se relève donc tout de même bien moins généreux que dans ses films précédents, son auto-censure pour correspondre à l’attente PG-13 se ressentant énormément. Pas fondamentalement déplaisant, Shark 3D n’en reste pas moins dispensable et aussi inoffensif que les requins qu’il décrit.

Snakes on a plane de David R. Ellis – USA – 2006. 1H40.

Avant même sa sortie, explosent en 2006 sur la toile des bandes annonces et affiches détournées de Snakes on a plane, film devenu référence “geek” depuis grâce à la réplique : “Enough is enough ! I have had it with these motherfucking snakes on this motherfucking plane !”.

Cet énorme buzz viral n’a pas empêché le film de se vautrer méchamment au box-office, Samuel L. Jackson gérant à tour de bras cobras et serpents à sonnettes à 30.000 pieds d’altitude n’ayant pas attiré les foules dans les salles. On aurait donc tendance à réduire le film à l’emballement qu’il a généré, ce qui ne rendrait pas honneur à cette honnête série B possédant du reste le mérite de redonner son sens à cette classification galvaudée. Car Snakes on a plane reprend les codes du film d’exploitation en dosant savamment premier et second degré, sans tomber dans la parodie rigolarde. Impossible non plus cependant de prendre totalement au sérieux le scénario que le titre résume à lui seul : un agent du FBI devant escorter en avion d’Honolulu jusque Los Angeles un témoin à charge va devoir le protéger de serpents prêts à bouffer tous les passagers.

Soyons clair : la seule finalité du film est de proposer un plaisir immédiat, peut-être coupable, mais en tout cas assumé comme tel grâce à ses punchlines efficaces et à sa mise en scène sans temps mort. A la différence de pas mal de productions parfois frileuses se réclamant de cette culture pop, Snakes on a plane en rajoute à foison. Nous n’avons pas quelques serpents qui vont subrepticement se glisser dans la carlingue mais une vingtaine d’espèces différentes qui dès la première péloche auront déjà mordu la moitié des protagonistes. C’est dans cet excès, avec un Samuel L. Jackson en pleine forme et Julianna Margulies qui endosse sans complexe son rôle d’hôtesse blasée, que le film déploie son arsenal de blockbuster d’action efficient.

Il ne faut pas oublier non plus que David R. Ellis n’est pas le premier tâcheron venu à qui on colle une caméra entre les mains. Déjà remarqué pour la direction de la gigantesque scène de carambolage dans Destination Finale 2, il a surtout un passif de cascadeur (L’Arme fatale, Jours de Tonnerre, etc.) qui lui a visiblement laissé un certain sens du rythme. Ne s’encombrant pas de notion de réalisme, Snakes on a plane enchaine alors les séquences d’attaques venimeuses, de turbulences aériennes ou d’hystérie collective dans un joyeux bordel où la tension ne retombe quasiment jamais, l’inscrivant bien plus dans la lignée des films catastrophes des 90’s que dans l’ambiance horrifique.

Evidemment on pourra arguer que Ellis se complait dans la nostalgie facile mais avec son budget léger, Snakes on a plane exploite plutôt bien l’utilisation d’un lieu unique, là où pas mal de réalisateurs se sont récemment cassés les dents, Wes Craven et son Red Eye en tête. Construit en deux temps car d’abord prévu tout public, l’engouement autour du projet décide New Line à rappeler Samuel L. Jackson pour quelques jours de tournage supplémentaires histoire qu’il ajoute ses fameux “motherfucker”. La boite en profite également pour inclure des plans un peu plus dénudés qui, s’ils n’apportent strictement rien en terme narratif, participent au charme un peu désuet du film.

Au vu de certaines critiques il semble donc nécessaire de rappeler que le métrage d’Ellis n’a aucunement comme ambition de marquer l’histoire du cinéma. Il se veut simplement un peu en dehors des sentiers battus tracés par des yes-men hollywoodiens en proposant une bonne dose de fun qui ne soit ni lisse, ni impersonnelle. Est-ce que vraiment on doit attendre autre chose d’un film nommé Snakes on a plane ?

Braindead de Peter Jackson – Nouvelle-Zélande – 1992. 1h44

Avez-vous déjà vu… un singe-rat zombie de Skull Island qui contamine Wellington entièrement et transforme les habitants en zombies ?

Et bien tout est là.
Et tenez-vous bien, tout ça, c’est du chef-d’œuvre.
Oui, chef-d’œuvre du genre gore et Peter Jackson s’en donne à cœur joie sur l’hémoglobine. On se demande comment avec un budget ridicule (seulement 3.000.000$), il a pu fournir autant de sang que l’heptologie du très critiqué Saw.

Tout se passe en 1957, à Wellington (ville chère au cœur de Peter Jackson) lorsqu’une espèce hybride – qui se trouve être un singe-rat (la légende prétend que c’est le résultat d’un viol entre des singes et des rats pesteux) – est ramenée par des scientifiques de l’île de Skull Island. Notre “héros” Lionel Cosgrove (Timothy Balme) se plante là, jeune et naïf, ne pouvant pas se détacher de sa mère, la très tyrannique Vera Cosgrove, et s’entichant d’une jeune hispanique “Paquita Maria Sanchez” (Diana Peñalver) au grand dam de Véra.

La morsure au bras par ce fameux singe-rat sur Véra n’arrangera pas l’état de notre Lionel, qui fera tout pour soigner sa mère et finira même par l’enterrer, mais bien après qu’elle ait déjà mordu quelques-uns de ses amis. Et c’est là que l’horreur se mélange au gore et aux fantaisies de notre réalisateur : la scène du diner entre la mère de Lionel, revenue d’entre les morts et leurs invités, un curé, une infirmière, ou encore l’oncle, est jouissive, tant on peut ressentir que Peter Jackson s’est fait plaisir à mélanger le tout, et pas seulement au sens figuré : même entre les personnages, il crée une scène d’adultère entre le curé et l’infirmière, dont le joli bébé mort-né de l’affiche du film sera la résultante.

Lionel, ce Tanguy des années 90, aucunement gêné par la situation, va aller jusqu’à héberger tout ce petit monde, devenu zombie, pensant tout contrôler, sauf lorsqu’il injectera des stimulants à la place des anesthésiques, et fera de la maison l’antre du gore dans toute sa splendeur avec entre autre, le bébé mort-né dans le mixeur, le déchiquetage de membres grâce à sa tondeuse et bien d’autres scènes que je vous conseille d’aller voir par vous-même !

Une apothéose œdipienne se pose alors devant nous : des zombies affamés et complètement enragés, une tondeuse à gazon faite maison comme arme de dézombification massive et gorissime, la mère de Lionel prenant une taille disproportionnée, explosant le toit de la maison, et nous projetant ainsi dans une métaphore – ultra – sanglante de la renaissance de notre héros.

Peter Jackson nous livre du gore, du trash et de la violence second degré comme on aurait aimé en voir plus comme ça. Le démembrement de centaines de zombies sous couvert de l’amour cucul au possible de notre couple Lionel/Paquita donne au film tout son comique et c’est la clef de voûte de cette œuvre majeure dans la filmographie du réalisateur.

Le savant mélange peace and gore est méticuleusement mis en place, et c’est ce qui fait son charme : malgré les milliers de litres d’hémoglobine qui nous sautent au visage, Peter Jackson parvient à nous faire rentrer dans son délire – non sans manquer de quelques maladresses – et son inventivité (pour l’époque) fait de Braindead l’un des films les plus réussit dans le genre.

Comme anecdote, on notera le caméo hitchcockien, avec Peter Jackson en tant qu’assistant des pompes funèbres, et c’est devenu sa marque de fabrique, renouvelant l’expérience comme pirate dans le dernier épisode du Seigneur des Anneaux ou encore dans Créatures Célestes. Pour ce film, il n’a fait tourner que des acteurs inconnus (Diana Peñalver pleurait à la vue du sang), geste certainement risqué, mais démontrant le génie de Jackson et lui ouvrant les portes de la reconnaissance avec notamment le Grand Prix du Festival international du film fantastique d’Avoriaz en 1993

Il y a peu de scènes que l’on ne peut appeler “cultes” et si vous avez manqué ce film et que vous aimez l’humour trash et parfois dénué de sens, courrez vous le procurer, vous ne perdrez certainement pas votre temps !

… maintenant, oui.

Fright Night de Craig Gillespie – USA – 2011. 1H46. Sortie 14/09/11.

Si Fright Night n’est qu’un remake de plus de la grosse machine hollywoodienne, il a la bonne idée de ne pas vouloir copier l’original ou surfer sur la vague nostalgique des années 80. Ne reprenant que la trame essentiel du récit de Holland, il se tourne résolument bien plus vers la comédie que son prédécesseur. On retrouve donc Charley Brewster aux prises avec un voisin vampire dont tous semblent être tombés sous le charme. Sa mère célibataire d’abord mais aussi sa copine, aussi jolie que populaire, que Charley va tenter tant bien que mal de protéger.

Jouant gentiment avec les codes du teen movie, Craig Gillepsie insuffle à ses personnages un certain charme grâce à son approche maline des affres de l’adolescence. Geek repentit, Anton Yelchin se débrouille plutôt bien devant la caméra avec son physique fragile sans en rajouter ni dans l’aspect loser, ni en roulant des mécaniques. Idem pour Imogen Poots, incarnant sa petite amie, qui loin de se cantonner au rôle de potiche s’impose avec son caractère bien trempé.

Aussi paumé face au monstre vivant à côté de chez lui que lorsqu’il doit affronter le passage obligé de sa première fois, Charley évoque parfois un double du héros de Kick-Ass en particulier dans une scène finale où il débarque ridiculement armé jusqu’aux dents. Du reste, si les seconds rôles sont très inégaux, David “Dr Who” Tennant concentre sur lui toute l’attention. Là où le film de Holland faisait du spécialiste des vampires Peter Vincent un clin d’œil aux productions de la Hammer, Gillepsie s’amuse lui avec le folklore des shows de Vegas en transformant Vincent en imposteur lâche et alcoolique.

Bien que le ton léger s’avère plaisant par quelques répliques bien vues, il ne suffit pas à rattraper un traitement de la partie fantastique plus qu’imparfait. Car si le casting tient la route dans l’ensemble, le choix de Colin Farrell en vampire sexy constitue l’énorme impair du film. Tentant vainement de s’autoparodier, il en fait des tonnes, n’arrivant au mieux qu’à être inconsistant, au pire grotesque. Inutile donc d’attendre la moindre frayeur de ce mal nommé Fright Night qui choisit de s’imposer dans l’action au dépend de la tension. S’ensuivent alors des scènes de poursuites et d’affrontements longuettes, portées par une mise en scène on ne peut plus lisse – n’oublions pas que Walt Disney Pictures fait partie du projet – et clairement impersonnelle.

Le mythe du vampire est quant à lui vite expédié à grand renfort d’eau bénite et de pieux dans le cœur, auquel la 3D n’apporte une fois encore que peu de plus-value. Des jolies séquences de suceurs de sang explosant à la lueur du jour dont les cendres encore incandescentes retombent sur nous sont bien la seule chose notable. Le reste du temps on aura uniquement droit au service minimum en la matière : canines pointues et autres mains griffues sortant mollement de l’écran.

Pas désagréable mais loin d’être inoubliable ce Fright Night présente au moins l’avantage de ne pas se prendre au sérieux sans tomber dans des travers cyniques. Par les temps qui courent, on s’en contentera plutôt que de se tourner vers les avalanches de remakes qui considèrent que la surenchère d’effets justifie à elle seule une nouvelle version.

Après son remarqué Buried, Rodrigo Cortès est de retour mais cette fois avec un budget et un casting bien plus conséquent puisqu’il mettra en scène Sigourney Weaver, Cillian Murphy, Robert De Niro et Elizabeth Olsen. Oui, la petite sœur des deux jumelles insupportables.

Changeant complètement de registre avec Red Lights, Cortès s’intéressera à l’histoire d’une psychologue cartésienne (Sigourney Weaver) qui verra ses convictions remises en doute en enquêtant sur des phénomènes paranormaux aux côtés d’un médium de renommée mondiale (Robert de Niro). Le trailer dévoilé cette nuit ne dévoile justement rien, si ce n’est Bob sur un lit le regard au loin, avec une photo qui n’est pas sans rappeler Nolan ou Shyamalan et une affiche qui ressemble à s’y méprendre à celle du Zodiac de Fincher. Un peu pompeur le Cortès ? Wait and see, aucune date de sortie n’étant annoncée pour le moment.

Étonnant d’imaginer une romance avec des zombies, bien moins séduisants que leurs confrères morts-vivants vampiriques. C’est pourtant bien l’idée qu’a eu Summit Entertainement, responsable de la série Twilight, en adaptant le roman Warm Bodies d’Isaac Marion. Il s’agira de l’histoire d’un adolescent nommé “R” devenu zombie qui se pose des questions existentielles quant à bouffer ou non de l’humain. Il se liera avec la petite amie d’une de ses victimes, ce qui entraînera des conséquences à la chaîne chez ses congénères.

Alors que la casting compte déjà Nicholas Hoult (Skins, X-Men : first class) dans le rôle principal ainsi que Teresa Palmer (I Am Number Four), Variety vient d’annoncer que John Malkovich jouera le rôle du “General Grigio”, militaire bien décidé à exterminer tous les revenants.

Si l’on redoute un peu la bluette adolescente avec Warm Bodies, il est à noter que le celui-ci sera écrit et réalisé par Jonathan Levine qui avait réussi à tordre sérieusement le cou aux clichés des teen movies avec All the boys love Mandy lane . Un projet curieux donc qui en tout cas semble bien parti ne serait-ce que pour le choix judicieux de ses acteurs.

The Divide de Xavier Gens – Allemagne/ USA / Canada – 2011. 1H50. Sortie prochainement.

ÉTRANGE FESTIVAL #1

Après sa transposition de Hitman à l’écran et Frontière(s), film d’horreur made in France en 2007, c’est au Canada que Xavier Gens a posé sa caméra pour réaliser son Divide. Il reprend ici la thématique science-fictionnelle d’un monde post-apocalyptique, narrant l’histoire d’un groupe de 8 survivants enfermés dans un abri anti-atomique suite à ce que l’on suppose être un bombardement nucléaire. Si la volonté de faire un film d’ambiance en huis-clos avec des personnages qui se dévoilent progressivement est louable ; ni l’écriture, ni la mise en scène ne sont à la hauteur de cette ambition.

Dès l’intro, les protagonistes sont présentés de manière si caricaturale que l’on se dit que Gens va obligatoirement nous prendre à contre-pied rapidement. Il n’en est rien : chacune de leur réaction est d’une prévisibilité déconcertante, ceux-ci adoptant une ligne de conduite définie pour ne jamais y déroger. Le tout est porté par une direction d’acteur en roue libre et des dialogues explicitant chaque faits et gestes, ne laissant aux personnages aucune part d’ombre ou de chances de nous surprendre.

Et quand une épaisseur psychologique est censée être apportée par les rapports de domination et de soumission qu’entretiennent les survivants, c’est l’effet inverse qui est obtenu. Avec une finesse pachydermique, le réalisateur mélange allégrement homosexualité, romance platonique et sévices sexuels qui font tomber certaines scènes dans le grotesque, mais qui surtout donnent le sentiment d’une provoc’ aussi gratuite qu’ennuyeuse.

Cet ennui ressenti est également dû en grande partie à des soucis de rythme et de cohérence. D’abord aiguillé sur une piste d’expérimentation gouvernementale, on se retrouve ensuite à la frontière entre le survival et le film d’action. Visiblement, Gans a voulu inclure dans son film toutes ses références de cinéphile comme gage de qualité mais il ne réussit qu’à nous perdre dans une narration bordélique à souhait.

Sans que l’on ne comprenne jamais bien les tenants et aboutissants de l’histoire – principalement les raisons qui poussent les survivants à rester enfermés – on alterne sans cesse entre ellipses et longues séquences ne faisant pas avancer l’intrigue d’un iota. Cette confusion temporelle est d’autant plus dommageable qu’elle ne permet pas de prendre pleinement conscience des transformations physiques dues à l’enfermement, l’aspect le plus réussi de The Divide. Fonctionnement biologique modifié, vieillissement prématuré : tous sont égaux face à cette mécanique aussi implacable que mortifère. Mais Gens n’exploite aucune des trop nombreuses idées pourtant pas si mauvaises qu’il aborde, bâclant la dernière demi-heure de sa pelloche avec un faux retournement de situation monté n’importe comment, oubliant même la règle de base de la simultanéité des actions.

Série B aux velléités auteurisantes, The Divide à ne jamais vouloir choisir un angle d’approche finit par n’être qu’une coquille vide, autant de sens que d’émotion, sans non plus réussir à s’imposer comme un shocker efficace.

Blackthorn de Mateo Gil – USA – 1H32. Sortie le 31 août 2011.

Dans les montagnes boliviennes vit James Blackthorn, un « gringo » éleveur de chevaux qui n’aspire qu’à rentrer dans son ouest natal retrouver son fils. Mais derrière ce cow-boy vieillissant se cache en réalité Butch Cassidy, passé pour mort depuis plus de 20 ans. Alors qu’il s’apprête à quitter le pays, sa route croise celui d’un ingénieur espagnol traqué, avec qui il entamera un long périple.

Blackthorn est le premier long-métrage de Mateo Gil, acolyte scénariste d’Amenabar, s’inscrivant dans cette veine du néo-western (L’Assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford, True Grit) et de ces codes que l’on pensait oublié, tout en lui apportant une touche étrangement mélancolique. Car si l’introduction dénote d’un choix très classique dans le traitement, celui-ci est immédiatement contrebalancé par les paysages verdoyants de l’Amérique du Sud, bien loin des plaines désertiques de John Ford. Le décor posé, on comprend alors rapidement que les contrastes, les antagonismes et évidemment la résistance ou l’adaptation seront les thèmes qui porteront le métrage de bout en bout.

Respectueux de l’héritage de ses ainés, le réalisateur ne fait pas pour autant une redite du genre, s’intéressant d’avantage à la fin d’une époque. Terminées les conquêtes et la découverte : il est temps pour Butch de laisser derrière lui ses velléités de rébellion. Loin d’être devenu un personnage cynique ou taciturne, Sam Shepard interprète avec brio un criminel apaisé, presque solaire, dont les valeurs inchangées lui ont probablement permis de rester en vie jusqu’à présent.

Shepard porte d’ailleurs le film sur ses épaules, éclipsant un Eduardo Noriega un peu fade. Leur relation sera donc reléguée au second plan, l’intérêt de Blackthorn résidant essentiellement dans le cheminement de son héros. A mesure qu’il s’aventure dans des contrées de plus en plus arides – jusqu’à la magnifique traversée du désert de sel de Uyuni – les souvenirs de son ancienne amitié avec le Kid lui reviennent en flash-back et il semble alors enfin prendre conscience de son âge. Entre mythologie et réalité, Butch Cassidy évolue en effet dans un monde sans cesse en mouvement, où peu à peu chevaux et colts laissent place aux avancées techniques et sociales. Gil n’omet pas pour autant de pointer les conséquences néfastes de l’émergence de ce capitalisme, tant sur l’homme que sur la nature qui l’entoure, mais sans jamais appuyer son propos de démonstration indigestes.

Manquant parfois d’aspérités, Gil nous livre en tout cas avec Blackthorn un western poétique et gracieux sur l’achèvement d’un parcours, qui ne marque pas une fin définitive mais plutôt la naissance d’une nouvelle ère, pleine de promesses.

On peut ajouter à la déferlante des blockbusters de l’été (Super 8, Transformers 3, Harry Potter, etc.) le nouveau film de Jon Favreau : Cowboys & Aliens, déjà renommé chez nous Cowboys & envahisseurs.

A première vue, le film est plutôt excitant. Par son scénario déjà – un cowboy amnésique dans une petite ville du Far West qui va rentrer en guerre contre des extraterrestres – et par un casting de premier choix : Daniel Craig dans le rôle principal, épaulé par Olivia Wilde, Sam Rockwell et surtout Harisson Ford, dont le chapeau de vieux cowboy fatigué n’est pas sans évoquer des souvenirs. Le tout est emballé par Jon “Iron Man” Favreau, ce qui préfigure un mélange de fun et de séquences d’actions bien bourrines. Le film étant de plus une adaptation de comic, on peut compter sur l’expérience du réalisateur sur ce sujet.

Oui mais voilà… Est-ce qu’on ne va pas se retrouver avec un énième film rigolard, un enchaînement bête et méchant de références pompées depuis des années, sans âme, comme seules en ont le secret les majors créatrices de Yes Men ? Ou alors, s’il joue intelligemment la carte du second degré sans bâcler ni ses personnages, ni son potentiel, on peut en espérer un divertissement bien ficelé, certes grand public mais au-delà de la moyenne.

La vue du second trailer qui ajoute simplement quelques scènes supplémentaires par rapport au premier ne me convainc malheureusement pas en ce sens. Rendez-vous en salles le 24 août pour en juger.

On continue cette semaine le retour sur les films estampillés Gérardmer 2011 avec Triangle. Datant déjà de 2009, et sorti directement en DVD, Triangle s’inscrit dans la tradition de ces films fantastiques tortueux qui nous emmènent sur terrain glissant des questionnements sur la destinée.

Impossible d’en dévoiler trop sur le scénario sous peine de gâcher le plaisir, disons que Triangleest le nom du voilier sur lequel embarquent Jess et quelques autres pour une ballade en mer, avant que celui-ci ne fasse naufrage suite à une étrange tempête. Triangle fait référence également au lieu de l’action, puisque les passagers ne se retrouvent pas n’importe où mais au milieu des Bermudes. Un navire leur porte alors secours rapidement tandis que Jess va commencer à éprouver un certain malaise à bord.

Smith, depuis Creep et Severance est devenu l’un des chouchous du cinéma d’horreur de ces dernières années, réussissant à manier très habilement ambiance nerveuse, climax brillant et jeu avec les spectateurs. Il pousse cette recette à son paroxysme dans Triangle, le film se construisant uniquement sur la notion de mystères qui se dévoilent à nous en même temps qu’à l’héroïne. Il y a d’ailleurs un aspect intentionnellement stéréotypé dans la structure du film, Smith reprenant tous les codes du genre, du folklore des Bermudes donc, aux paradoxes spatio-temporels en passant par les symboles largement ressassés : longs couloirs déserts, jeux de miroirs, images du double, etc.

Mais le réalisateur est bien plus malin que bon nombre de ses contemporains, n’oubliant pas de doter son film d’enjeux. L’enjeu ici en l’occurrence est celui que porte Jess, bien déterminée à retrouver son fils resté à terre. Personnage du reste assez antipathique, Melissa George campe une mère paumée, un peu asociale, tentant de se démêler de son passé, présent et futur. Déchirée entre sa morale et son instinct maternel, c’est avec une bonne dose d’ingéniosité que Smith présente les différentes facettes de cette femme, facettes qui se croiseront, s’affronteront sans jamais réussir à s’assembler.

A cela viennent s’ajouter des décors très réduits mais utilisés de telle façon qu’ils créent une atmosphère particulièrement anxiogène que l’immensité de l’océan, toujours présent en contrepoint, viendra intensifier. Dommage d’ailleurs que Smith qui maitrise pourtant parfaitement sa mise en scène en intérieur ait ajouté des plans larges avec des incrustations inesthétiques au possible ou des effets spéciaux – ceux de la tempête en tête – vraiment cheap. Totalement inutile qui plus est quant on voit avec quelle virtuosité il manie sa caméra, proposant des mouvements et des cadrages recherchés, s’amusant sans cesse avec les points de vue des personnages et bien évidemment, avec nos nerfs. Car plus le film avance, et plus on prend conscience de la vertigineuse construction scénaristique dans laquelle nous sommes entrainés, puzzle vicieux que chaque twist vient à nouveau désassembler.

Ludique le film l’est, comme toujours chez Smith, mais il n’omet pas pour autant de nous rappeler que nous sommes face à une situation où règne une paranoïa presque palpable et où chacun devient ennemi pour l’autre, ou pour soi. Irriguant son film de moments d’horreur très soudains, très durs, il mène son métrage un peu plus loin que le simple film à tiroirs, à la frontière du survival, genre qu’il avait déjà exploré brillamment dans Severance.

Triangle est donc, sous des aspects classiques et attendus, un film délicieusement retors qui n’hésite pas à désamorcer nos attentes pour mieux nous surprendre. Sans pour autant se cantonner à un bête exercice de style, il apporte une fraîcheur agréable à un genre en mal de renouvellement, élevant définitivement Smith au rang des très bons artisans du cinéma bis ce que son film suivant, Black Death, confirmera.

Triangle – Christopher Smith – USA- 2009

NB : Je vous déconseille le visionnage du trailer, qui spoil beaucoup trop à mon goût.

Chronique pour anotherwhiskyformisterbukowski

La Warner a (enfin) annoncé officiellement le début du tournage de The Dark Knight Rises, troisième volet de la saga rebootée par Christopher Nolan et commencée en 2004.

Si évidemment on retrouvera bien Christian Bale dans le rôle de Batman, aux côtés de Michael Caine (Alfred) et Gary Oldman (le lieutenant James Gordon), le casting est quasiment entièrement renouvelé : Anne Hathaway incarnera Catwoman, Joseph Gordon-Levitt sera John Blake – un flic aperçu au détour des anciens comics – et Marion Cotillard endossera le rôle de Miranda Tate, une cadre dirigeante de Wayne Entreprises.

Alors que le tournage se déroulera aux États-Unis, en Europe et en Inde, le studio a en parallèle débuté sa campagne marketing autour du projet. La première énigme fut lancée sur le site officiel, où l’on entend une foule scander des mots étranges. Le but du jeu était de comprendre le message : The Fire Rises, pour ensuite le relayer sur twitter à l’aide du hastag #thefirerises. Une image se dévoilait alors progressivement, nous donnant à voir Bane, ennemi de l’homme chauve-souris qui sera joué par Tom Hardy.

C’est donc la première image du film, dont on peut noter, hors la musculature impressionnante de l’acteur, que le masque original évoquant un catcheur mexicain a été sacrement dépoussiéré.

Les vampires semblent dernièrement avoir de nouveau le vent en poupe, conséquence probable du succès de la saga Twilight. Alors que Dario Argento annonçait la semaine dernière Thomas Kretschmann dans le rôle principal de son Dracula 3D aux côtés de Rutger “Hitcher” Hauer interprétant Van Helsing, voici des nouvelles de Vlad, financé par Plan B – la boîte de prod de Brad Pitt – et réalisé par Anthony Mandler.

Son nom de vous dit rien ? Assez normal, il n’a pour l’instant rien tourné pour le grand écran, mais on lui doit des centaines de clips puisque de Beyoncé à Snoop Dogg, en passant par Rihanna, Jay-Z, Eminem ou encore The Killers, tous ont vu leurs chansons shootées par le réalisateur. Il a donc décidé de commencer fort en s’attaquant au mythe de Dracula, ou plus exactement à ses origines “réelles” à travers le personnage du Prince de Valachie, plus connu sous le doux surnom de “l’Empaleur”. Surnom mérité, le transylvanien ayant empalé des centaines de turcs au XVème siècle.

Le personnage qui a déjà inspiré le Dracula de Bram Stoker, et par extension celui de Francis Ford Coppola, paraît donc fort intéressant à exploiter sauf qu’entre deux, Anthony Mandler a mis en route Die In A Gunfight, un film d’action love storyesque avec Zac Efron, et réserverai peut-être un rôle dans son film vampirique à l’ado d’High School Musical.

Pas de quoi sauter de joie pour le moment, et si on ajoute à ça la première affiche assez moche du Dracula d’Argento, on se dit que finalement Twilight 4 ne sera peut-être pas si mauvais. ]]> 0 Miho http://zombiatarian.com/?p=1194 2011-09-04T15:42:28Z 2011-05-19T16:44:46Z